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Mi frasco de Ideas

Colección de contenidos diversos y con fuentes distintas. Aqui me inspiro risas, temas y demás locuras. ¿Quieres que vea algo en particular? Envíalo, da click en "colabora"

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El gran mito de la publicidad

La información cada vez más se ha vuelto un arma protagónica en la lucha del hombre por sobrevivir, y la mercadotecnia junto con otros medios de comunicación saben (o quiero creer que saben) del gran poder que ejercen sobre el individuo. Este asunto no lo perderá de vista el arte contemporáneo, como es de esperarse ante los nuevos fenómenos sociales. “ARTandPress” es una exposición que viene a retratarnos el gran mito de la publicidad. 55 artistas de todo el mundo que convergen en la reflexión sobre la manipulación de los medios se presentan actualmente en Berlín para invitar al público a ver una parte de la sociedad en el espejo que a veces es el arte. Una de las presentes entre las salas es Barbara Kruger, diseñadora estadounidense reconocida desde la segunda mitad del siglo XX con trabajos que, añadiéndole su toque feminista, constituyen una crítica a la gran mentira que es la mercadotecnia y el discurso público (como luego pasa en la política, por ejemplo).

Sin embargo, no hay que ser tan conspiracionistas pues entre la exposición hay todo tipo de opiniones: quienes ven a los medios como un gran engaño, quienes proclaman la maravilla de compartir información, entre otros. Kruger no manifiesta nada explícito pero deja entrever su crítica al pensamiento colectivo irreflexivo y procura tanto al diseño gráfico en su arte como su profesión lo permite.

Sin duda es una artista que no puede faltar en una exposición con esta temática, pues aunque la gran mayoría de sus trabajos son especialmente repetitivos, ha sido una de las pioneras en el proceso de desmentir y evidenciar la problemática de la publicidad. Otra figura crítica del boom de la información es Andy Warhol quien tampoco podía faltar en “ARTandPress”, y entre los 55 colaboradores hay grandes artistas como Damien Hirst, Douglas Gordon, Yves Klein o Riktrit Tiravanija, quienes no se especializan precisamente en este tema (no como Warhol o Kruger) sin embargo habrá que descubrir qué tienen que decir ante la publicidad y la manipulación, ya que son artistas todavía más jóvenes que Warhol y Kruger y esta generación del protagonismo mediático ha evolucionado lo suficiente como para que existan todavía mayor número de opiniones al respecto.

Fuente: Biblioteca Babab | Fotos: Barbara Kruger



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Permalink Debo guardar esto para cuando mis hijos me pregunten “¿Papá, que es una pendejada?”… tendran que leerlo
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Yoshua Okón y la licencia de la ficción

Lo artificial tiene una gran ventaja en la sociedad: los límites morales son tan difíciles de distinguir como los límites de la imaginación. En la ficción se puede decir, ser, hacer lo que realmente se quiere, mientras que ya en la práctica existen un sinnúmero de limitantes para que uno como persona se explaye. Ejemplos están en las formas de arte por doquier; ha de ser por eso que a veces vemos en la música, en las películas o la literatura una especie de vida y discurso platónicos. La licencia que tiene el arte se conserva aún amplia entre las paredes de los museos, las páginas de los libros y sobre los escenarios.

Nacido en el DF, Yoshua Okón trabaja sobretodo el videoarte. Cuando vi su trabajo por primera vez pensé en que sólo se dedicaba a documentar ironías y sátiras a través de los clichés de la sociedad. Luego de ver esta entrevista en VICE entendí un poco más sus intenciones: jugar entre la delgada línea de la ficción y lo real, de lo permitido para la sociedad y lo permitido para una cámara de video. Lo que un ciudadano en cuanto ciudadano muestra ante los ojos de los demás, es diferente a lo que muestra en cuanto a que es actor en un “proyecto artístico”. Por eso basta con proponerle actuar frente a cámaras a un transeúnte para hacer un experimento cuasi-social (como él le llama a su trabajo).

Sobre sus primeros trabajos: una serie de videos con policías a quienes se les pidió que actuaran libremente frente a las cámaras son un claro ejemplo del propósito del artista: detrás de cámaras se permiten lo que normalmente en su oficio no, pues tienen el pretexto de estar actuando. Por ejemplo, aquél donde sale uno bailando, otro haciendo un stripptease hasta tocarse sus genitales, discusiones y peleas no tienen remordimiento ante la moral. Al fin y al cabo, ¿no será el arte un juego a comparación de la seriedad de la política y la sociedad civil? ¿O serán estos juegos una proyección del pensamiento social? La obra que ejemplifica la legitimidad que tiene el arte es “A propósito” en la que se roban un estéreo de un carro mientras está siendo grabado. El museo lo proyectó junto con un montón de estéreos robados (pues así era la obra) y se expuso como tal. ¿De qué privilegios goza el artista, entonces?

“Oríllese a la orilla” videoarte.

“Oríllese a la orilla” videoarte

Así el arte deja su lado bello para dar paso a los factores sociales, políticos y humorísticos del arte, sin postura o propuesta más allá de la reflexividad y la diversión.  El artista, junto con Miguel Calderón, fundó La Panadería en 1994 como “Herramienta para desarrollar el arte. Espacio físico donde se exponía la conciencia del entorno cultural y político de los artistas”. Desde entonces es más evidente el debate sobre la legitimación de la comunicación artística.

“A propósito” conjunto de estéreos robados y video que documenta el robo de uno.

Fotografías y fuente: Yoshua Okón



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A un click de ser coleccionista de arte

La premisa de “democratizar la información” nos entusiasma y nos ofusca hoy en día. Qué terrible escenario se viene a la mente cuando quitamos Wikipedia, Youtube, Twitter y Google de nuestros horizontes. El flujo de contenidos y conocimientos se expande cada ves más y los artistas contemporáneos no se van a quedar atrás. Como no es poca cosa que se cierre o se abra una vía por donde circula tanta comunicación, este par de argentinos emprenden el proyecto COLECCIONARTE, con la pretensión de que los coleccionistas no sean tan sólo aquellos que tienen para pagar grandes cantidades por un cuadro que se va a colgar en una pared, sino que sea cualquier persona con acceso a Internet.  Comparten, comunican, democratizan la información. Así que son en formato digital, es cuestión de dar click derecho sobre la imagen, guardarla, y es suficiente para ser coleccionista. De hecho, las obras las suben desde su iPad 2. Aquí está su manifiesto:

“Es una idea re-evolucionaria

es un nuevo modo de coleccionar arte

son obras originales realizadas en un ipad

por artistas brillantes

estás a sólo un click

de convertirte en coleccionista”

Amablemente pregunto: ¿se trata de una burla? Obras por artistas brillantes hechas en un iPad. Les ha tomado a estos grandiosos artistas tan sólo dos minutos (una hora es su tiempo máximo) para hacer una obra de arte. Explicándolo así, mi primera reacción es la de una gran broma que no merece el tiempo de nadie, y que no tiene sentido hablar del tema ni de este par de modernos pseudoartistas. De hecho, de ser así, deberías cerrar esta ventana y leer algo mejor, porque estos sujetos les ponen el mismo título de “arte” cual Mona Lisa o Guernica. Habiendo cerrado esta página, me temo que ya no podrás ver un poco de las obras disponibles para los futuros coleccionistas. Son algo como eso:

Obra de Arturo Aguiar

Obra de Carlos Aires

Obra de Romulo Cerdran

Obra de Washington Silvera

Obra de Eugenio Merino

Obra de Ernesto Pesce

Conociendo un poco de arte contemporáneo, algunas de estas imágenes podrían circular en museos (y uno nunca sabe el porqué)  así no le encontremos sentido alguno. COLECCIONARTE me comenzó a llamar la atención cuando me di cuenta que no eran tan sólo un par de jóvenes experimentales, sino que son verdaderas obras de artistas hispanoamericanos que exponen y venden internacionalmente (cosa que no le da mayor calidad, pero el proyecto así deja de parecer un simple capricho). Por ejemplo, Jorge Hernández comparte una imagen que se está exponiendo actualmente en Madrid junto con otros cuadros; lo característico es que está re editada con una aplicación de su iPad, es decir, aquí habría que preguntarse si ambas obras (la física y la digital) tienen el mismo valor por venir del mismo artista, o no. Igual con todos los trabajos, están siendo expuestos físicamente ya sea en Madrid, Sao Paulo o Buenos Aires, y el artista lo comparte en este sitio web junto con un pequeño video en el que expresa su opinión del proyecto.

Obra original titulada “Economía Sumergida II” de Jorge Hernández quien actualmente expone en museos de Madrid.

Obra para COLECCIONARTE, también por Jorge Hernández.

¿Se están burlando de nosotros o del elitismo en las artes plásticas? ¿Los ignoramos o los tomamos en cuenta? Me causa intriga cómo serán las clases de Historia del Arte de las siguientes generaciones, si es que existen tanto clases de arte como generaciones, claro. Con este tipo de proyectos no sé si enorgullecerme de las capacidades que están explorando los artistas, o avergonzarme de la extrema libertad con la que se nos deshace la idea que normalmente entendemos por arte. Y yo ya no sé si es el arte el que necesita definirse, o si es el espectador quien todo quiere encerrarlo en una definición.

Fuente: COLECCIONARTE



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Por si alguien se había olvidado del cardenal

“Dios mío, Dios mío ¿por qué me has abandonado?” dice Jesús clavado, antes de morir por nosotros en la cruz alrededor de las 3 de la tarde o como dice la biblia, la novena ora. Así también se hace llamar una obra del italiano Maurizio Cattelan: “La nona ora”, que no incluye a cristo sufriendo ni a algún buen samaritano muriendo por nosotros. Se trata de una escultura donde el papa Juan Pablo II está en el suelo después de haber sido aplastado por un meteorito. La relación de esta escena con el sufrimiento de cristo (su novena hora) que la encuentre el que la observa, aunque a algunos les fue tan molesto que intentaron quitar la roca que sometía al pontífice sin recordar que solamente era una escultura.

La Nona Ora

Sería absurdo negar la influencia de símbolos religiosos en nuestra sociedad, y aunque el ateo se queje, no es una influencia que sólo exista en los creyentes, sino que perspectivas judeo-cristianas permean el pensamiento de cualquiera nacido en una cultura como la nuestra. Dentro de esta línea presenta Luz María Sánchez su exposición “Sin título (Mensajes del cardenal)” en el formato del arte sonoro. Madrid la recibe en In-Sonora desde el 7 de marzo hasta el 29 de abril con un equipo de 48 bocinas, 3 amplificadores, y 3 reproductores de CD.

Son nada más y nada menos que discursos hablados por el ex arzobispo de Guadalajara, México, Juan Sandoval Íñiguez. “Se ha desatado últimamente una agria polémica (…) sobre los asuntos referentes a la familia y a la vida. Quieren excluir a la Iglesia, porque decir no al aborto, no al divorcio, no a las uniones del mismo sexo, dicen que es asunto religioso, y que por lo tanto no debe de entrar para nada en las leyes” se escucha en una de las grabaciones. La artista tapatía proclama la importancia mediática en nuestra sociedad, cosa que tuvo el cardenal en su tiempo en una de las ciudades de México que viven mayor devoción a la fe católica, sin embargo no hay que dejar de lado que Guadalajara tiene muchos brotes de liberalismo, “es muy contradictorio” dice Luz María Sánchez.

La opinión de un líder religioso no se olvida, o no se debería olvidar. La religión católica, al menos aquí en México, se ve involucrada en asuntos morales, económicos, hasta políticos, y como documentación tenemos la voz de los líderes de opinión. Volver a los discursos después de un tiempo, como en retrospectiva, cuando el público tiene una crítica más amplia de los diversos temas que toca la iglesia, así Luz María Sánchez se asegura de que siga escuchándose en un espacio tan de reflexión como lo es una galería, donde una escultura del papa siendo atacado por un meteorito tal vez sea cualquier cosa y no signifique nada, o tal vez sí.

Fuente: El Informador



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Más para leer: 500 cuentos recién descubiertos

Después de estar encerrados en Regensburg, Alemania, por más de 150 años, salen a la luz 500 cuentos de hadas que forman parte del trabajo recopilado por el historiados Franz Xaver Von Schönwerth casi en el mismo tiempo que los hermanos Grimm. El historiador pasó décadas preguntando a la gente de campo sobre sus costumbres locales, historia, tradiciones y pensamientos heredados por la tradición oral para plasmarlos en esta gran cantidad de cuentos recién publicados.

Von Schönwerth trató de ser fiel a las anécdotas que él escuchaba, sin darle ningún toque literario ni personal, es esa una de las grandes importancias de este descubrimiento: sin haber sido pulidos ni modificados, los cuentos conservan el pensamiento de aquél entonces de la manera más genuina. Por eso podemos evitar pensar que se trata de un descubrimiento que sólo apantallaría a pequeños, pues es en realidad una buena documentación de los valores que se tenían en aquella época.

El libro de cuentos se había olvidado: la investigación se publicó en tres volúmenes (del año 1857 al 1859) sin embargo nunca tuvo mucho éxito siendo que ahora vuelve a formar parte de la historia de la cultura alemana. Comenta Erika Eichenseer, quien está muy interesada en los comités de análisis y difusión de esta obra, sobre la importancia de los cuentos  pues “contienen conocimiento y sabiduría antigua que se relacionan con el desarrollo humano”. La colección incluye cuentos que ya se han conocido antes en toda Europa, como La Cenicienta, no obstante entre estos 500 también hay mucho contenido inédito que merece ser revisado, estudiado y también ser disfrutado.

La diversidad de los escenarios se hace evidente en cuentos que relatan la vida de un campesino miserable o un molino de dinero, así como el de  ”The Turnip Princess“, que dejamos en este enlace para que se disfrute en su versión traducida al inglés.

Fuente: Guardian



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México: Resistiéndose desde el viejo mundo

No hace mucho me comentaron: “Si México en algo destaca internacionalmente es en los paralímpicos, y en ser cuna de artistas de todo tipo.” En efecto, tal parece que a nuestro país le va bien por lo menos en las artes visuales, pues no debe ser extraño escuchar nombres de paisanos en museos de todo el mundo. Esta vez Francia acoge un puñado de obras que se consolidaron en México la última decada, titulando la exposición en su conjunto “Mexico: Resisting the Present (2000-2012)”

La situación de nuestro país, en muchos sentidos, es motivo para que los quejumbrosos tengan de qué hablar, los activistas qué hacer, y hasta el más cómodo tenga de qué preocuparse. Así, toda una generación de artistas mexicanos cuestionan y protestan contra la realidad sociopolítica por medio de videos, performances, instalaciones, pinturas, fotografías, hasta proyectos sociales de concientización y divulgación. Trabajos de Minerva Cuevas, Erick Beltrán, el colectivo Tercerunquinto, Iñaki Bonillas, Jorge Mendez Blake, Juan Pablo Macías y hasta del chileno Alejandro Jodorowsky (quien vivió algunos años en el país) encontraremos entre las paredes del museo de arte moderno de París. La exposición acaba de trasladarse a la ciudad francesa después de cerrarse en el Museo Amparo de Puebla, que desde octubre hasta enero tuvo sus puertas abiertas para la muestra.

El Musée d’Art Moderne en París reconoce que los últimos veinte años han sido de crecimiento artístico para México y sus instituciones, sobretodo en el ámbito del arte comprometido con la socieda; pareciera que el crecimiento de la creatividad en el artista mexicano está en proporción con la polémica sociopolítica del país. Teniendo como gran desafío las consecuencias del contraste económico, de la globalización, la violencia, la multiculturalidad y la corrupción, nos encontramos con esta exposición que tiene mucho y a la vez da mucho de qué hablar. Con la esperanza de que este tipo de artes tomen mayor poder de palabra en México, es una excelente oportunidad para que en el mundo se conozcan las problemáticas que protagonizan gran parte de la vida política en el país y la lectura que estos artistas aportan.

Fuente: MAM



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Promover la lectura sin palabras

Fotografías, instalaciones, pinturas, videos y performances también pueden servir para introducirnos en los libros, no porque estos medios tengan el contenido de uno o porque nos puedan ayudar con el hábito, sino que son útiles cuando se trata de mostrar el valor cultural y conceptual de leer. “Explorar el tema del libro sin escritura alguna” es una de las premisas del cineasta y artista plástico Jean-Philippe Toussaint para la exposición que a partir de mañana 8 de marzo estará en el museo de L’ouvre en París.

Si muchas de nuestras acciones las emprendemos primeramente por imitación, porque nos enseñan qué es bueno y por qué es bueno, ¿por qué no promover así la lectura? Siendo cada vez más común hablar de cifras alarmantes de pocos libros leídos, sobre todo en nuestro país, no estaría de más mostrar una nueva cara del arte escrito, algo más allá de las concepciones y prejuicios que permean a la sociedad. La exposición se enfoca básicamente en dos aspectos: el libro a través de los años y las colecciones o bibliotecas. La metáfora del conocimiento en los libros comparándolo con el mundo, abarca una de las más grandes salas que ocupa la exposición: “El universo (que algunos llaman biblioteca).”  También la sala llamada “la afición a la lectura” que a través de fotografías muestra cómo las costumbres y las apariencias de los individuos van cambiando mientras que muchos de los libros en los estantes de la biblioteca son los mismos.

Mediante fotografías, se muestran en el “Martes en el Museo del Louvre”, día que por cierto es inhábil, una serie de situaciones que según el artista acontecen tal día, también en relación con la lectura. Finalmente, la última parte de su obra en conjunto es un performance donde un sujeto está leyendo en voz alta mientras que se proyecta en un panel su cerebro (en un video que tomaron de grabaciones médicas). La exposición tiene de colaboradores a otros artistas como Charles Le Brun.

Se busca contemplar la lectura en el transcurso de la historia, exponiéndola como un recurso clave en gran parte de la cultura occidental, por lo cual expone también un manuscrito de Samuel Beckett “Esperando a Godot” y de la octava edición de La Divina Comedia de Dante. Las traducciones en varios idiomas y un contenido multimedia también acompañan al trabajo de JP Toussaint.

Fuente: SlashParis 



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Thibaut y su amor neoyorquino

Gente de toda clase social, con y sin casa, ropa limpia o sucia, sabiendo o sin saber a dónde ir, pero todos coincidiendo en la soledad y la reserva contra el mundo, esto es, la otra cara del sueño americano. El ideal de calidad de vida capitalista tiene un lado muy interesante cuando se ven las particularidades, es decir, a los individuos por sí solos. Se trata de un elemento en el trabajo de Emiliano Thibaut.

El fotógrafo es originario de Santiago de Chile aunque se dice ciudadano mexicano. Habita actualmente en Guadalajara, Jalisco, pero años atrás se trasladó numerosas veces de ciudad debido al golpe de estado con Pinochet en Chile. Su interés por la vida sociopolítica es muy notorio: la exposición que presentará en Casa Escorza está titulada “Somebody in New York loves me” y plantea en sus fotografías las condiciones de los individuos, las cuales se diversifican en una ciudad tan representativa del comercio y el consumo como es nueva York.

“Hoy día, Nueva York sigue siendo una fábrica de estereotipos. Es de donde provienen la mayor cantidad de slogans publicitarios y de ideas para estimular una sociedad basada en un consumo demencial. Donde la condición humana está bastante devaluada y donde lo único que hace valer a una persona es cuánto dinero tiene y cuál es su aspecto.“ Dice el artista.

Es un proyecto que vale mencionar a un par de días que se presente en Casa Escorza, Guadalajara, el 8 de marzo. También sus trabajos anteriores son dignos de ser atendidos: una serie de fotografías titulada “Vida cotidiana” comienza con las imágenes de una embarazada y un recién nacido para luego, drásticamente, mostrar movimientos sociales, levantamientos y la pluralidad de ideologías que encontramos, literalmente, en la vida cotidiana. Occupy Wall Street, los estudiantes en Chile, la policía comunitaria de guerrero, levantamiento de indígenas, entre otras son las escenas dentro del conjunto de fotografías que al principio mostraba la llegada de un individuo al mundo. Dejo algunas de sus tomas de otros proyectos:

De la serie “Zapatistas”

“Vida Cotidiana” Movimiento Occupy Wall Street

“Vida Cotidiana” Protesta de los estudiantes de Chile.

Fuente: El Informador | Fotos: Emiliano Thibaut 



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Violar el cuerpo por amor al arte

El que busca transgredir su cuerpo por mera obtención de seguridad personal, sea con cirugías, pastillas, crema, maquillaje o ejercicio, es el objeto de estudio para algunos artistas que dramatizan la relevancia de la belleza en el pensamiento de la sociedad.  Indudablemente, los cánones de lo que es ‘estético’ o ‘antiestético’ permean gran parte de nuestra perspectiva. Y el arte, valga decirlo, carga con un peso que se le ha impuesto a partir de la opinión más común: Arte=Bello. El arte representa belleza, la belleza es sinónimo de lo que está bien y todo mundo quiere estar bien. Leigh Bowery, Orlan y Héctor Falcón son tres artistas que lo único que tienen en común es que todos han tratado de alcanzar su ideal de belleza, los tres cuestionan la idea de lo que es bello como algo estático, y utilizaron su propio cuerpo como lienzo para dar a conocer su obra.

En orden de aparición, Leigh Bowery fue un artista originario de Australia que realizaba performances. Éstos lo llevaron a ser una de las figuras más importantes de la moda en las décadas de los 80′s y 90′s. Modificaba su cuerpo con lo que podía, se amarraba con cuerdas y cinta su corpulencia hasta obtener la figura de una mujer bastante extravagante. Se le considera todo un icono por revolucionar contra el convencionalismo en la apariencia personal y en el diseño de ropa. Hoy lo rescato para ponderar entre su crítica a la sociedad y el medio por el cual da a conocer su mensaje: mostrarse como algo grotesco para ridiculizar los conceptos que se tienen de belleza.

Luego sigue Orlan, una mujer francesa que hasta la fecha causa tanta polémica como éxito en los museos del mundo (de hecho, en estos momentos debe tener cerca de cinco exposiciones programadas para el 2013 y diez para el 2012). Habla de utilizar los materiales en función a la idea, pues a veces la idea requerirá de una instalación, de un performance, escultura, una pintura, etcétera. Su persona también es uno de los medios para ejecutar la idea: transgredir el cuerpo por amor al arte. En sus performances se ha expuesto al dolor de la cirugía, mientras lee sus textos e ilustra con su propia sangre. “Mucha gente piensa que soy un monstruo y no cogerían conmigo, pero después pueden cambiar de parecer. Se trata de aceptar las diferencias” Dice Orlan. Al fin y al cabo, Orlan no ha hecho algo que otras figuras públicas no hayan hecho, simplemente sus resultados no entran en lo que comúnmente es agradable a la vista.

El más contemporáneo es el mexicano Héctor Falcón. No hace más de un mes se sometió a su última cirugía con el mismo propósito de poner en duda los cánones establecidos. Ha usado esteroides y se ha ejercitado notablemente para ser un superhombre, sugiriendo una masculinidad plástica. ¿Es esto una forma de expresión? ¿Es arte?

La idea de belleza es tan vulnerable a la cultura que en sí no tiene límites, y estos tres bien lo ejemplifican con su cuerpo. Al menos en Orlan y en Falcón, uno de sus objetivos es también la dramatización del impulso que se tiene por conseguir cierta imagen que responde al ideal de belleza mediática, sólo que estos artistas buscan lo contrario a la opinión común. ¿Locura o arte? “Ya todo es arte, cualquier cosa con una justificación asombra al público” podríamos pensar. Es cierto que mucho de lo que está en nuestra cabeza son lugares comunes: lo que concebimos como feo o agraciado no difiere mucho de persona a persona en nuestra cultura occidental, pero ¿hay necesidad de transformar su cuerpo de tal manera y exhibirlo? Así es como algunos artistas invitan a la reflexión sobre la estética.

Fotos: Orlan  | Leight Bowery



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Un concierto es más que música en vivo: Nine Inch Nails

No he tenido la oportunidad de estar en un concierto de Nine Inch Nails pero he escuchado suficientes opiniones del espectáculo audiovisual para saber de cuánto me he perdido. Y no voy a hablar de sus atributos musicales ni de lo polémica que luego resulta su manera de darse a conocer, sino que cuando me enteré que  Bill Viola es quien diseña las imágenes que se proyectan en sus conciertos, no dudé que Trent Reznor haya tomado una excelente decisión.

Ascension (2000) from Wadsworth Atheneum on Vimeo.

Bill Viola es (por mucho) mi artista visual favorito.  Respecto a lo que he conocido del videoarte, creo que pocos mezclan de manera tan balanceada la estética y el concepto. Da la ilusión de ser una fotografía o una pintura por el movimiento en cámara lenta de sus videos, y si le preguntamos qué es lo que quiere decir con éstos, contestará que busca explorar temas como “el paso de la vida a la muerte, de un estado a otro, las expresiones corporales y la temporalidad” palabras que no necesariamente requieren ser entendidas cuando uno disfruta ver algo como esto. El trabajo del neoyorquino es una excepción a la fe que le tengo al encuentro con el arte, esa que dice “no hay mejor manera de conocer a un artista que teniendo su obra en frente, y no detrás de una pantalla ni impresa en las páginas de un libro de historia”. Jamás he visto a Viola como debería sino en videos de Youtube y en unos cuantos minutos de mi último curso de arte, pero creo que sus imágenes, de entrada, tienen algo de cautivadoras:

Estas imágenes son diferentes al trabajo al trabajo que realiza con Nine Inch Nails, a pesar de que no deja atrás elementos como la oscuridad en el oceano y el fuego, la violencia y la calma, todos mezclados en una secuencia de imágenes divididas en tres piezas variando según el clímax del concierto. Viola comenta en un par de videos sobre su trabajo: “las imagenes pueden funcionar como una base para que la música fluya”, las canciones están seleccionadas cautelosamente para que el público disfrute de una verdadera experiencia audiovisual. Y como es bien conocida la soberbia del líder de NIN, he aquí lo que él opina de sus conciertos: “He adoptado una filosofía para las actuaciones de Nine Inch Nails que incorpora elementos teatrales. Quiero que sea un drama. Quiero que mis estrellas de rock sean más grandes que la vida, ¿sabes? Los Kurt Cobain del mundo, estoy harto de esa mierda. No quiero que un gasolinero sea mi héroe. Yo me crie con Gene Simmons. Crecí con Ziggy Stardust.” Y así, la gira Fragility con ayuda de Viola fue nombrado el tour del año en el año 2000 por algunas revistas de música.

Alguna escribió dijo George Orwell en uno de sus ensayos lo ridículo que es añadir adjetivos y palabras ambiguas al discurso, cosa que se da muchísimo en la crítica de arte. Por poner ejemplos: “Esta obra tiene un significado metafísico inigualable”, “la abundancia de movimiento refleja lo elegante que es pensamiento de Viola”, “su estética nos remonta a la trascendencia del alma”, entre otras pedanterías que he leído y leeré. Aquí no vamos a poner adjetivos de más. Teorizarlo ha de ser interesante, como a muchos otros que fabrican videoarte pero prefiero, como recién saliendo de un concierto, disfrutarlo en fresco aunque me siga el infortunio de sólo poder verlo en internet.

He aquí una canción con la colaboración de Viola:

Fotos: BillViola.com



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